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Spanish to English: Artículo sobre la obra de Inmaculada Salinas para la revista del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo General field: Art/Literary Detailed field: Art, Arts & Crafts, Painting
Source text - Spanish La repetición como mecanismo o recurso formal construye en gran parte las obras que Inmaculada Salinas (Sevilla 1967) presenta en esta exposición; el alineamiento del significado con el sentimiento encadenados en un tiempo circular y repetitivo están en la base de su poética. Las cuatro series que presenta -Espejo, Visión de las vencidas, Prensadas y Como fondo- al igual que otras también de estos dos últimos años -Postales, Callejera, Asocial- tienen en común el pequeño formato y el trabajo específico sobre la mujer (esto último a excepción de Como fondo). Trabajar sobre el sujeto social mujer y trabajar a pequeña escala supone una ruptura con respecto a su obra anterior, la realizada en la década del 2000, principalmente pictórica, abstracta y de gran formato. Lo que sí comparten las obras de ambas etapas es algo sobre lo que Gertrude Stein se manifestó: “Me gusta que una cosa sea simple, pero debe ser simple gracias a la complicación. […] William James fue mi gran influencia cuando estaba en la universidad, él decía siempre ´complica la vida tanto como quieras, tendrás después que simplificar`”.
Estas obras representan, además de una ruptura, una “complicación” en la trayectoria de Salinas, al abandonar unos paradigmas estéticos en los que se ha formado (estudió en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla) y a los que ha dedicado toda su investigación, y sentimiento, a lo largo de más de quince años de silencioso trabajo de estudio; no por ello ha dejado de aplicar la idea de la simplificación que interesaba a Gertrude Stein.
Ciertamente existe una gran diferencia entre los trabajos anteriores y los actuales -más cercanos a la idea de dibujos (obras en papel)-, pero se repite el concepto de pulsión frente al de gesto; no hay ningún sentido inaugural del gesto en su pintura a pesar de la interacción entre la pintura y el cuerpo, ni es una pintura geométrica aunque ha sido estructurada casi exclusivamente por la línea -el color siempre ha sido funcional-; la concepción ha estado más próxima a lo sígnico y al serialismo, sin olvidar que la línea, que divagaba entre la geometría contenida y la fantasía inconsciente, configuraba unas formas orgánicas y simbólicas no exentas de una carga sexual que podrían considerarse como parte de un “imaginario de la mujer”, por utilizar el término de Lucy Lippard, en From the Center, para la discusión de la iconografía que estaban creando una serie de mujeres artistas en los años 70. Desde aquí se podrían trazar diferentes líneas sobre otra discusión, la identificación que se lleva a cabo mediante el reconocimiento y cómo éste puede ser una confirmación implícita de la ideología dominante, sin que ello implique que no tenga un enorme “potencial como agente del cambio psíquico y social”, como analiza Kaja Silverman en El umbral del mundo visible.
Translation - English Repetition as a mechanism or stylistic feature is an essential element of the works by Inmaculada Salinas (Sevilla 1967) showed in this exhibition. The alignment of meaning and feeling, looped in a circular and repetitive time, is the base of her poetics. The four series she presents now – Espejo, Visión de las vencidas, Prensadas and Como fondo – share with the works of the last two years – Postales, Callejera, Asocial – the small format and the specific focus on women (with the exception of Como fondo). Her new series of small-scale works on the social subject of “women” represent a stark change with regard to her previous work, done in the first decade of the 21st century, which was mainly pictorial, abstract and big scale. Nevertheless, the pieces of both periods have something in common, something about which Gertrude Stein declared: “I like a thing simple, but it must be simple through complication. […] William James was my big influence when I was at college. He was a man who always said, 'Complicate your life as much as you please, it has got to simplify’.”
These new pieces not only represent a break but also a “complication” in Salinas’ career, because she has giving up the aesthetic paradigms in which she was trained (she studied at the Fine Art Faculty in Seville) and to which she has dedicated all her research and emotions over more than fifteen years of silent studio work. However, she has not abandoned the simplification that Gertrude Stein found so interesting.
Certainly there is a big difference between the previous pieces and the current ones (closer to the idea of drawings, of works on paper), but once again she sets the drive against the gesture. No inaugural sense of gesture can be found in her paintings, despite the interaction between painting and the body. Her paintings are not geometric, either, even though they are almost exclusively structured by lines, while colour has always been a functional element. Her idea is closer to calligraphic painting and serialism, but without abandoning the notion that lines, which wander between restrained geometry and unconscious fantasy, form organic and symbolic shapes. These sexually charged shapes could be considered part of a “female imagery,” using the term that Lucy Lippard coined in From the Center to discuss the iconography that a group of women artists were creating in the seventies. From this point, Salinas’ lines seem to suggest ties to another debate: identification through recognition, and how this can be an implicit confirmation of the dominant ideology, while hinting at its huge “potential importance as an agency of psychic and social change”, as Kaja Silverman analyzes in The Threshold of the Visible World.
English to Spanish: Descripción de una instalación del artista Carsten Höller General field: Art/Literary Detailed field: Photography/Imaging (& Graphic Arts)
Source text - English Carsten Höller, Y
For over twenty years, Carsten Höller has primarily focused his artistic research on the various aspects of human perception. For instance, a significant part of his body of work explores how the composition of light, whether natural or artificial, has a direct effect on our perception of space and objects in any given environment. The walk-in installation, Y, consists of a Y-shaped catwalk surrounded by regularly spaced aluminium rings, each fitted with dozens of light bulbs. Their luminous intensity seems to change from strong to almost imperceptible, an effect of the intricate pattern of blinking and dimming of the lights at different speeds and intervals. The resulting, fun-fair like tunnel leads to a junction, with one path leading to a mirrored dead-end, while the other leads to the entrance/exit of the installation. Two further reflective walls, standing at a 90-degree angle reflect the lucid, plastic form as well as the viewer moving through the light installation. The effect Höller achieves is an infinite series of reflections of both the form of the installation and the viewer as well. The opposite mirror with its (theoretically) infinite counter reflections confronts viewers with an infinite number of multiplications of themselves as well the optical extension and enlargement of the room. The interaction of material and immaterial forms, generated by lights and mirrors, creates a visual situation, which can also be experienced. Says the artist: "This leaves room for uncertainty and doubt. To put it very simply, shaking the foundations—in the sense that things are no longer seen in the usual way (this happens under the influence of a drug or … under the influence of a particular environment)—may be a way to substantiate the whole visual question."
Translation - Spanish Carsten Höller, Y
Durante más de veinte años, Carsten Höller ha centrado su investigación en varios aspectos de la percepción humana. Por ejemplo, una parte significativa de su obra explora cómo la composición de la luz, ya sea natural o artificial, tiene un efecto directo en nuestra percepción del espacio y de los objetos de nuestro entorno. La instalación Y consiste en una pasarela en forma de Y rodeada por anillos de aluminio cuajados de bombillas, cuya intensidad luminosa parece variar entre fuerte y casi imperceptible como resultado de un intrincado continuo de parpadeo y oscurecimiento de las luces a diferentes velocidades e intervalos. Esta especie de túnel sacado de un parque de atracciones lleva hasta un cruce en el que un camino no tiene salida y acaba en un espejo, mientras que el otro conduce al visitante hasta la entrada/salida de la instalación. En otras dos paredes reflectantes, situadas formando un ángulo de 90 grados, se reflejan tanto la forma plástica, luminosa, como el público moviéndose a través de ella. Höller consigue el efecto de una serie interminable de reflejos de la instalación y sus visitantes. El espejo opuesto y sus (teóricamente) infinitos contra reflejos sorprenden a los espectadores al mostrarles incontables imágenes de sí mismos, así como un engrandecimiento óptico de la habitación. La interacción de formas materiales y no materiales, generadas por luces y espejos, también crea una situación visual. Dice el artista: “Esto deja espacio para la incertidumbre y la duda. En pocas palabras, sacudir los cimientos –en el sentido de ver las cosas desde una nueva óptica (por efecto de las drogas o… de un entorno en particular)– puede ser una manera de confirmar toda la cuestión visual”.
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PhD - Universidad de Salamanca
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Years of experience: 17. Registered at ProZ.com: Feb 2006.
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